In This is not a Dance Film werden Tänzerin und Fotografin zu wechselseitigen Akteurinnen in einer choreografischen Situation, in der das Filmen selbst zur treibenden Kraft wird. Die Tänzerin reagiert auf die Kamera, die Kamera reagiert auf den Körper – eine Schleife aus Bewegung, Blick und Steuerung entsteht. Zunächst scheint die Rollenverteilung eindeutig: Die Tänzer*in tanzt, die Kamera filmt. Doch die Bewegung der Kamera verweist auf etwas anderes: Sie wird selbst aktiv, verfolgt, stößt an Grenzen, zwingt den Körper zur Reaktion. So wie in einer filmischen Verfolgung, in der Perspektive und Tempo die Dramaturgie bestimmen, verändert sich die Wahrnehmung fortlaufend. Dies ist kein Tanzfilm.
Das Filmen wird hier zur Choreografie. Die Kamera navigiert durch den Raum, wählt Bildausschnitte, beschleunigt, hält inne, zwingt zu Ausweichbewegungen. Die Tänzer*in orientiert sich nicht an einer festen Abfolge, sondern an der Logik des Verfolgtwerdens: am Rhythmus der Kamera, an Zögern und Beschleunigung, an Blickwinkeln und Distanz. Dabei rückt die körperliche Arbeit der fotografierenden Person in den Vordergrund. Bildproduktion erscheint nicht als neutraler Akt, sondern als physischer, zeitbasierter Prozess, in dem Anstrengung, Aufmerksamkeit und Kontrolle verhandelt werden. Die Aufnahme wird zur Situation, in der Machtverhältnisse sichtbar werden: Wer bestimmt den Moment, wer den Bildausschnitt, wer reagiert auf wen? Körper und Apparatur verschränken sich, lösen sich nicht voneinander, sondern entstehen in ihrem Zusammenspiel gegenseitig.
Eine zentrale Rolle spielt die Regie. Ihre Anweisungen zu Bildgestaltung, Timing und Bewegung strukturieren den Prozess, ohne ihn festzuschreiben. Die Befehle dienen weniger der Durchsetzung eines vorab definierten Ergebnisses als der Erzeugung von Spannung, Rhythmus und Aufmerksamkeit. Regie, Kamera und Körper agieren in einem Gefüge gegenseitiger Abhängigkeiten: Die Kamera lenkt Bewegung und Blick, der Körper antwortet, die Regie moduliert. Jede Instanz ist zugleich steuernd und reagierend. Die technische Apparatur fungiert dabei nicht als passives Werkzeug, sondern als Organ, das Handlungen verbindet, Hierarchien verschiebt und Perspektiven erzeugt.
Die dreikanalige Installation überträgt diese Dynamik in den Raum. Die Bilder entstanden ursprünglich als Live-Performance am Museum of National Taipei University of Education (MoNTUE) und wurden in Echtzeit projiziert. Im Ausstellungsraum umgeben drei großformatige Projektionen die Betrachter*innen. Die Arbeit ist in fünf Kapitel gegliedert, entsprechend unterschiedlicher Modi von Bewegung und Wahrnehmung, die den Anweisungen der Regie folgen – vom Aufwärmen über spielerische Sequenzen wie Hide and Seek bis hin zu dynamischen Verfolgungen. Der Wechsel der Bilder zwischen den Projektionen aktiviert den Raum und fordert die Betrachter*innen auf, ihre Position fortlaufend zu verändern und die Bewegungen körperlich nachzuvollziehen. Perspektivwechsel, Annäherung, Flucht und Verfolgung werden erfahrbar, der Blick ist in Bewegung, der Raum wird zur Szene.
An der Schnittstelle von Fotografie, Film und Theater angesiedelt untersucht die Arbeit, wie filmische Mittel – Verfolgung, Perspektivwechsel, zeitliche Verdichtung – performative Situationen strukturieren. Besonderes Interesse gilt dabei dem Spannungsverhältnis zwischen Live-Präsenz und Montage: zwischen dem Moment der Handlung und seiner nachträglichen Ordnung, zwischen unmittelbarer körperlicher Erfahrung und filmischer Konstruktion. Das Bild erscheint nicht als abgeschlossenes Resultat, sondern als Prozess, der sich im Raum entfaltet. Die Installation macht die filmische Logik der Jagd spürbar und verwandelt Kamera, Körper und Blick in ein lebendiges, sinnlich erfahrbares Gefüge, das die Betrachter*innen mitten in die Bewegung zieht und die performative Spannung als räumliches Ereignis erfahrbar werden lässt.